“I Am Not Your Mexican” en la Ruiz-Healy Art es espacialmente fluido

Editor’s note: This article is also published in English on Glasstire. Find that here.

Nota del editor: Este artículo se publicó originalmente en inglés en Glasstire el 18 de julio del 2023.

Para leer sobre la presentación neoyorquina de esta exposición, dirígete aquí.

Traducción de Yolanda Fauvet y Paulina H. Marroquín.

En cuanto a títulos, I Am Not Your Mexican [No soy tu mexicano] es quizá lo más explícito que se puede ser. Desde el inicio estamos involucrados como espectadores que tienen prejuicios implícitos. El título le dice algo diferente a cualquiera que lo lea, pero, de entrada, no pide disculpas y es firme en su emocionante resolución.

El título de una de las series de Jesse Amado, I Am Not Your Mexican [No soy tu mexicano], hace referencia al título de I Am Not Your Negro [No soy tu negro], una película del 2016 basada en los escritos de James Baldwin que ofrecen una crítica social de la infrarrepresentación de las personas negras estadounidenses en la historia popular. Al adaptar el título de una cinta aclamada internacionalmente, los espectadores son llevados a retomar este punto de referencia y, por consiguiente, a cuestionarse la falta de representación mexicana y mexicanoestadounidense dentro del canon de la historia del arte hasta ahora.

En la galería Ruiz-Healy Art en San Antonio y Nueva York, obras históricas de Mathias Goeritz, Hersúa y Teresa Serrano (que se remontan a la década de los 1960) conviven con piezas más recientes de Jesse Amado, Willy Kautz-Jippies Asquerosos y Fernando Polidura. Curada por el escritor Eduardo Egea, la muestra combina objetos tridimensionales de arte abstracto que, a primera vista, pueden ser reminiscentes de las obras de arte “vacías” (en palabras del texto seminal del minimalismo de 1967 escrito por Michael Fried, “Arte y objetualidad”) asociadas al movimiento minimalista.

Sin embargo, algunos materiales utilizados en las obras expuestas, como espejos, cabello humano y chicharrón, están imbuidos de significados y referencias culturales y sociales, socavando con ello la mera objetualidad asociada al movimiento. Egea argumenta que la muestra es reminiscente de la tendencia posminimalista, una desviación necesaria de la rigidez del minimalismo.

Sin duda es necesaria, dado que la narrativa histórica del arte occidental tiende a colocar un enfoque bastante estrecho sobre los artistas radicados en Nueva York (Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd, Anne Truitt, Sol LeWitt, Robert Morris…) como los abanderados del minimalismo. Este alcance limitado, junto con la exposición The Art of the Real: USA 1948-1968 [El arte de lo real: Estados Unidos 1948-1968] que viajó a diversos países en Europa a finales de los años sesenta y setenta, condujo a la identidad de Estados Unidos como una potencia artística imperial.

Las obras incluidas en I Am Not Your Mexican caminan sobre la frágil línea entre el arte y la vida, y manipulan con astucia la geometría, la línea y la serialidad para enfatizar su naturaleza hecha a mano. El cabello humano está bordado delicada y laboriosamente sobre papel de algodón formando líneas rectas horizontales que dejan ver una impecable agudeza en dos obras del artista Fernando Polidura. Las líneas realizadas en CF Fourteen [CF catorce] mantienen el mismo espacio entre los márgenes y generan una robusta forma rectangular que llega casi hasta el límite superior de la página, donde las líneas comienzan a disminuir en longitud. Como las de una perspectiva en disminución, las ocho líneas superiores ascienden sigilosamente de manera constante y diagonal hacia dentro, dando como resultado una forma parecida a una caja con una profundidad tridimensional ilusoria. CF Fourteen es casi mecánica en su exactitud y preserva al mismo tiempo orden y fragilidad gracias al uso de cabello humano, destreza y perspectiva; Polidura creó esta serie durante la pandemia ocasionada por el SARS-COV-2 como una manera de reenfocar el deseo de control causado por su desorden obsesivo-compulsivo.

Mientras que la obra de Polidura desencadena una confrontación íntima con su uso de materiales orgánicos y formas corpóreas en un plano vertical (como en Thirty-first Adjustment [Ajuste trigésimo primero] donde pintura vinílica, papel y plástico retráctil para embalaje dan como resultado una superficie estirada y arrugada parecida a la piel), los objetos de acero inoxidable de Teresa Serrano abordan la existencia del espectador en el espacio de la galería mediante la interacción de la luz, la posición y los materiales asociados al género.

Formando un ángulo hacia la entrada de la galería están las esculturas de espejo, malla y acero inoxidable de Teresa Serrano de 1994, The Light Within [La luz interior] e Inside the Being [Dentro del ser]. The Light Within se alza sobre el suelo y tiene una bandeja de acero inoxidable dentro de otra. Un cuboide de malla sobresale por fuera de las dos bandejas y se cierra con un espejo rectangular en su cara expuesta. Una secuencia de crecimiento emerge a medida que las bandejas, seguidas por la malla, sucesivamente disminuyen en tamaño y aumentan en profundidad. El espejo pone fin a la secuencia interna de la escultura y, al mismo tiempo, invita a una posibilidad externa infinita.

La estatura y posición espacial del espectador, así como la hora del día en que se observa la escultura, afectan el ángulo del reflejo del espejo y los pedazos de luz y sombra que proyecta en el espacio de la galería. La inmediatez del espejo en la parte frontal de la escultura parece fusionar lo que está reflejado con la cavidad de malla porosa y las bandejas de acero descubiertas, incorporando la escultura a la atmósfera que la rodea. Lo que sucede en el exterior se vuelve el foco y se refleja en el funcionamiento interno de la escultura y el significado que percibimos de ella. La identidad de una persona se forma de manera similar, pues es afectada por una variedad de factores internos y externos.

Aquí Serrano utiliza acero en forma de rectángulo: un material duro, frío e industrial que tradicionalmente se asocia con la masculinidad, el orden y la estructura patriarcal. Al mismo tiempo, Serrano utiliza malla y espejos, materiales que alguna vez se asociaron con el arte de tejer y la vanidad y emoción femeninas. Con el efecto del espejo y las asociaciones de género a estos materiales, que salen unos de otros en un patrón orgánico, quizá The Light Within ofrece una manera de pensar la fluidez de la identidad.

Junto a las esculturas de piso de Serrano, que se proyectan hacia afuera, están las áureas obras grabadas de Goeritz y Kautz-Jippies Asquerosos, que emiten cierta divinidad y poder con su uso del oro. Al otro lado de la habitación cuelga una juguetona escultura cambiaforma de Hersúa, titulada Antipoema, frente a su Ambiente rectangular (maqueta), un modelo de una obra más grande que expone los límites de la percepción humana al jugar con el espacio, la escala y el color. Sin importar dónde se pare una persona para ver Ambiente rectangular (maqueta), es imposible percibir toda la escultura al mismo tiempo; diferentes partes se ocultan y muestran a medida que el espectador camina alrededor de la pieza, incitando a una conexión interactiva similar al cambio de forma interactivo de Antipoema.

Completando la muestra en la Ruiz-Healy Art en San Antonio están I Am Not Your Mexican: Rhapsody in Blue, Gazing North Beyond the Broken Fence [No soy tu mexicano: Rapsodia en azul, mirando al norte más allá de la cerca rota] y Take Out Chicken Fried Steak [Filete de pollo frito para llevar] de Amado. El primero está pintado de un azul eléctrico sobre el que fieltro blanco, cortado en forma de escalera, cae en cascada por la parte superior derecha del lienzo en forma estrictamente lineal. Eventualmente, sucumbiendo al peso de la gravedad, el fieltro se afloja y retuerce hasta el fondo del lienzo donde ondula a través de bucles de fieltro y plexiglás que se conectan a un gran trozo de chicharrón justo arriba de ellos. El fieltro blanco se deforma y cambia de plano, lo que genera una confusión direccional dentro de la composición. Esto me hizo pensar en la inevitable ambigüedad que surge de intentar delinear un límite claro en espacios abstractos.

Lejos de operar en el vacío, las obras de esta muestra, creadas en diferentes momentos a lo largo de las últimas siete décadas, arrojan luz sobre la elasticidad de las formas mínimas. Las obras de arte en exhibición, junto con el título, que leo como una crítica a la participación simbólica de los mexicanos y mexicanoestadounidenses (como grupos históricamente infrarrepresentados) en el mundo del arte, hablan de la inconsistencia y subjetividad que conlleva el intento de clasificar. I Am Not Your Mexican sirve como recordatorio de que rara vez se proporciona el panorama completo: nuestras propias experiencias y predisposiciones, y las de los artistas, trabajan para llenar los vacíos.

 

I Am Not Your Mexican estará en exhibición hasta el 8 de septiembre en la galería Ruiz-Healy Art en la Ciudad de Nueva York y hasta el 9 de septiembre en San Antonio.