Redefinir la frontera entre México y Estados Unidos: Obras de la “Bienal Fronteriza 2024”

Editor’s note: This article is also published in English on Glasstire. Find that here.

Nota del editor: Este artículo se publicó originalmente en inglés en Glasstire el 10 de marzo del 2024.

Traducción de Yolanda Fauvet y Paulina H. Marroquín.

Es una tarea abrumadora resumir una exposición que presenta a cincuenta artistas, y quizá se hace más difícil debido a que la 2024 Border Biennial / Bienal Fronteriza 2024 se extiende a lo largo de dos museos en dos países. El Paso Museum of Art (EPMA) y el Museo de Arte de Ciudad Juárez (MACJ) presentan esta exposición curada por la M.A. Claudia S. Preza, la curadora asistente del EPMA, con la asesoría curatorial de Edgar Picazo y Jazmín Ontiveros Harvey. En ella se muestran las diversas experiencias y perspectivas de artistas que viven en un radio de 322 kilómetros alrededor de la frontera entre México y Estados Unidos. Entre los artistas se encuentran nombres familiares de creativos que nacieron o radican en Texas como Gil Rocha, Alejandro Macias y Beili Liu. Pero, por el bien de esta reseña, limitaré mi enfoque a unos pocos artistas que fueron nuevos para mí y cuya obra sobresale en la que es una exposición impresionante llena de artistas talentosos.

Nortejiendo

En su sitio web, Nortejiendo se describe como “una plataforma para la expresión artística y creativa”, aunque durante mi viaje a El Paso, muchas personas se refirieron al grupo como un colectivo de artistas. Establecido en el 2017, el colectivo consiste en Isis Estrada Rascón, Laura María Acosta Navarro, Natalia Barragán Orozco y Óscar Francisco Solís Rodríguez. Nortejiendo afirma que su obra es en defensa de los derechos humanos y está en la intersección del activismo, la intervención urbana y el arte. En el EPMA, la instalación del grupo, Desaparecer no es normal (Disappearing Is Not Normal), es la primera pieza que confronta a los espectadores cuando entran a la galería.

Un par de esculturas de manos de tela color rojo sangre se encuentran palma arriba sobre una mesa plegable de madera. Cada una está unida con hilos rojos a tiras de tela que cuelgan de paneles de madera en forma de marcos. Un panel tiene 3542 tiras coloridas, cada una de ellas representa una persona desaparecida del estado mexicano de Chihuahua. El otro panel tiene el mismo número de tiras blancas y negras, que representan a las familias de estos individuos. Cuando las manos se levantan, tiran de la tela, lo que hace que la instalación sea un recordatorio visceral de la conectividad entre todas las personas. De pie frente a la obra, vinieron a mi mente las palabras de Mamie Till-Mobley, la madre de Emmett Till: “… lo que nos sucede a cualquiera de nosotros, en cualquier lugar del mundo, más vale que sea asunto de todos nosotros”.

En la presentación de la bienal realizada en el MACJ, que sólo incluye a treinta de los artistas que aparecen en el EPMA debido a limitaciones de espacio, Nortejiendo tiene una instalación en dos partes. Tu odio me mata (Your Hatred Kills Me) muestra un maniquí montado con una pieza textil utilizada durante una obra performativa y una forma humana adyacente hecha de piezas textiles. La suave escultura está formada por pequeños trozos de tela que van del gris claro al oscuro y tiene un corazón compuesto por estambre de colores vibrantes. El maniquí cercano lleva un vestido oscuro con una cola larga, una capucha sobre la cabeza y cubiertas sobre las manos.

Esta pieza habla de las formas en las que las personas que no encajan en la identidad heterosexual cisgénero a menudo se ven forzadas a ocultar su orientación sexual o su identidad de género. En un podio cerca de la obra, Nortejiendo ha proporcionado un apoyo visual que indica una variedad de acciones que sufren las personas que se identifican como LGBTQ+. Estas se conocen como Esfuerzos para Corregir la Orientación Sexual y la Identidad de Género e incluyen cosas como chistes hirientes, humillación pública, golpes/tortura/castigos, abuso sexual y homicidio/asesinato.

Haydee Alonso

En marcado contraste con las instalaciones de Nortejiendo, “Bad” Hyphens Separate; “Good” Hyphens Attach [Los guiones “malos” separan; los guiones “buenos” atan] de Haydee Alonso, que está al final de la exposición en el EPMA, aborda la naturaleza precaria de las relaciones fronterizas de manera más sutil. La obra se hace pasar por una simple pieza de joyería (una larga y delgada barra de plata esterlina y latón) y está expuesta con una fotografía de un par de mujeres usando la pieza, que en efecto las une de las orejas. La belleza tanto de la barra de metal como de la imagen es silenciosa y cautivadora, pero mientras más tiempo pasaba frente a la obra, más me incomodaba. En la fotografía, las mujeres, de pie hombro con hombro y unidas de oreja a oreja, están alejando ligeramente la cabeza de la otra. Aunque sus orejas no parecen estar en peligro de rasgarse o ser arrancadas, hay una tensión en aumento. ¿Ya están sintiendo dolor? ¿Están al borde de sufrir una lesión?

El título de la obra evoca la idea de vivir una existencia entre guiones. Como mexicanoestadounidense, he luchado toda la vida con ser una estadounidense con guion*. En ciertos sentidos, puede sentirse como si mi identidad se viera menor, como si no fuera completamente estadounidense. Aunque físicamente pequeño, el guion crea un océano de separación. Y en otros sentidos, nunca quiero que me vean simplemente como uno u otro, porque soy ambas cosas. Este estira y afloja vive en mi cerebro y en mi ser, siempre. En la inauguración de la bienal del MACJ tuve la oportunidad de conversar brevemente con Alonso. Habló de su deseo de activar la joyería como performance, que dos mujeres usaran el arete y caminaran por las galerías del EPMA. La obra de metal y la fotografía por sí solas son piezas fuertes, pero imagino que verlas cobrar vida, atestiguar la delicada danza de dos personas conectadas de una manera tan íntima y peligrosa a la vez, impulsaría la pieza aún más lejos.

En el MACJ, la instalación de Alonso incluyó cuatro piezas metálicas y sus contrapartes fotográficas. Cozen [Engañar] consta de un conjunto de cuatro pedestales, cada uno de los cuales está cubierto por tela blanca y tiene una pieza de metal de aspecto precario colgando encima. En la pared detrás de los pedestales hay fotografías de manos que muestran cómo las piezas de metal deben interactuar con el cuerpo humano. Las imágenes están enmarcadas con aislante de espuma amarilla y una gran tela azul rectangular forma un telón de fondo para las obras. Cada una de las piezas parece estar construida para hablar de la conexión. Por ejemplo, en el extremo izquierdo, lo que parece ser una combinación de anillo y pulsera sirve para separar y confinar en lugar de unir.

La obra de Alonso es al mismo tiempo seductora y angustiante. Una declaración en el sitio web de la artista (que es una traducción al inglés del texto en español de la ficha de exposición en el MACJ) explica que “Ciudad Juárez y El Paso no son ciudades hermanas. No cuando Estados Unidos corta el suministro de gas a México en medio de condiciones árticas dejando a casi cinco millones de mexicanos sin electricidad. La difuminación de las fronteras, algo en lo que yo creía muy firmemente, no existe”.

Veronica Ibargüengoitia

En la esquina de uno de los espacios interiores de la galería en el EPMA, Universal Moving [Mudanza universal] de Verónica Ibargüengoitia está apoyada sobre la pared. La obra parece ser una inocente pila de cajas de cartón para mudanza, pero tras inspeccionarla más de cerca, queda claro que el exterior de las cajas tiene impresiones realizadas por la artista. Aunque a la distancia esta impresión parece una típica herramienta de organización con áreas para hacer listas de contenidos y de control, el texto en realidad habla más de la experiencia emocional de reubicarse.

La lista de control, escrita en inglés, incluye: “emoción, ansiedad, nostalgia, felicidad, liberación, miedo, alegría, despedidas, identidad, desorientación, aventura, vacío, libertad, frustración, curiosidad, ira, especias, etcétera”. Debajo de la frase “Frágil: Siempre”, hay un conjunto de instrucciones deprimentes con sentimientos como “No importa qué tan bien empaques; tus cosas se perderán y se romperán”.

La pieza es lo suficientemente amplia como para que cualquiera que haya tenido que empacar sus pertenencias y mudarse pueda identificarse con ella, pero también adquiere un significado muy específico como parte de la Bienal Fronteriza. Las cajas capturan tanto la sensación de anticipación como el miedo que conlleva ser migrante. La esperanza de un futuro mejor que impulsa a una persona a dejar atrás su hogar inevitablemente significa que existe algún peligro en su vida. Esto se complica aún más debido a los cambios en las políticas alrededor de la frontera entre México y Estados Unidos que hacen que el viaje sea ahora más traicionero que nunca.

Universal Moving guarda un secreto más que no puede ser visto desde el otro lado de la galería: las cajas están llenas de cascarones de huevo rotos. La inclusión de este material trae a la mente muchas cosas. Primero, la idea de “caminar sobre cascarones de huevo”, frase que en inglés significa ser cuidadoso de no ofender o molestar. Ver los huevos me hizo pensar en cómo a menudo las personas que viven en situaciones precarias y simplemente intentan sobrevivir deben ser increíblemente cuidadosas de no llamar la atención hacia ellas mismas. Por supuesto, los cascarones junto con el texto impreso en la caja recuerdan lo que se rompe y se pierde en el proceso de desarraigar la vida propia y mudarse. No sólo los objetos están sujetos a ser perdidos, sino también los recuerdos, las experiencias, las culturas y las maneras de estar en el mundo. Finalmente, ver el huevo como símbolo de nacimiento y de futuro le da a la obra una perspectiva aún más devastadora. Conjura historias de la pérdida de niños, ya sean los que murieron durante el agotador viaje a través de la frontera o los que han sido detenidos y separados de sus familias.

En el MACJ, una sola caja de Ibargüengoitia titulada Universal Moving (Con muchos huevos)** se encuentra en el piso de una galería. Ver una sola caja destapada, en lugar de la pila en el EPMA, de alguna manera se sintió exponencialmente más brutal.

Para concluir

No existe una frase, idea o noción que por sí sola pueda resumir la riqueza de experiencias y perspectivas mostradas como parte de la Bienal Fronteriza 2024. Soy muy consciente de que mi escrito sólo cubre tres de los cincuenta artistas que fueron seleccionados para la exposición, y cada artista merece más consideración y reflexión acerca de su obra. Temo que a través de las obras sobre las que elegí escribir, alguien pueda irse sintiéndose justificado al pensar que la frontera es tan sólo un lugar de violencia, pero no lo es. Es un lugar de conexión, un lugar de esperanza, un lugar de familia, un lugar de crecimiento. La región fronteriza es muchas cosas para muchas personas, la mayoría de las cuales preferiría que la línea misma que define la frontera fuera tan invisible para el mundo como lo es en sus mentes y corazones.

 

*Nota de las Traductoras. En inglés los gentilicios compuestos se forman con guion. En este caso, “mexicanoestadounidense” se escribiría en inglés como “Mexican-American”.

**Nota de las Traductoras. En español mexicano la expresión “con huevos” se utiliza para decir que algo se hace con valor o decisión.

 

La 2024 Border Biennial / Bienal Fronteriza 2024 está en exhibición en El Paso Museum of Art y el Museo de Arte de Ciudad Juárez hasta el 14 de abril del 2024.