Editor’s note: This article is also published in English on Glasstire. Find that here.
Nota del editor: Este artículo se publicó originalmente en inglés en Glasstire el 7 de diciembre del 2024.
Traducción de Yolanda Fauvet y Paulina H. Marroquín
Nota de la autora: Esta es la cuarta entrega de una serie de artículos sobre un viaje reciente a Nueva York. Haz clic en estos enlaces para leer en español la segunda entrega sobre la “Trienal 2024” de El Museo del Barrio y en inglés las entregas sobre “Dream House” de La Monte Young y Marian Zazeela y “Before Yesterday We Could Fly: An Afrofuturist Period Room” en el Met.
El año pasado, durante el Chinati Weekend, un evento de arte anual que dura un fin de semana y es organizado por la Fundación Chinati en Marfa, una ciudad en el Oeste de Texas, tuve la oportunidad de contemplar la obra de Robert Irwin untitled (dawn to dusk) [sin título (del amanecer al anochecer)] cuando salía el sol. Inaugurada en el 2016, la obra de sitio específico tardó años en ser construida y recibe visitas especiales por la mañana y por la tarde algunos días al año (aunque también se pueden hacer recorridos que son parte del programa de visitas guiadas de la organización). A medida que la luz de la mañana entraba en el edificio y se desplazaba por el espacio, evocaba recuerdos personales, reflexiones sobre el paso del tiempo y un torrente de emociones: fue terapéutico. Ese mismo día, asistí a la proyección de Robert Irwin: A Desert of Pure Feeling [Robert Irwin: Un desierto de puro sentimiento], un documental de 90 minutos sobre la carrera del artista dirigido por Jennifer Lane. La película me proporcionó contexto sobre la vida y obra de Irwin, y profundicé mi comprensión de untitled (dawn to dusk).

Jessica Fuentes, esbozo en acuarela de “untitled (dawn to dusk)” [sin título (del amanecer al atardecer)] de Robert Irwin
No es de extrañar que Irwin colaborara tanto con la Fundación Chinati como con el Dia Beacon; aunque localizados en distintas partes de Estados Unidos, ambas instituciones están situadas en pueblos más pequeños y no en grandes ciudades, y se dedican a instalaciones a gran escala y de larga duración. Acoger y administrar obras de arte monumentales es un compromiso admirable, pero también requiere mucho espacio. Por lo tanto, ambas sedes plantean cuestiones inherentes relacionadas con la tierra, la propiedad, los privilegios y la gentrificación.
La Dia Art Foundation fue creada en 1974 por Fariha al-Jerrahi (antes conocida como Philippa de Menil), Heiner Friedrich y Helen Winkler para ayudar a los artistas a realizar “proyectos visionarios”. En los últimos 50 años, la fundación ha crecido y ahora gestiona nueve sitios, entre los que se incluyen las renombradas obras de arte de la tierra (land art) Spiral Jetty [Muelle en espiral] de Robert Smithson, The Lightning Field [El campo de relámpagos] de Walter de Maria y Sun Tunnels [Túneles de sol] de Nancy Holt. Más recientemente, en el 2023, el Dia se hizo cargo de administrar Depreciation [Depreciación] de Cameron Rowland, una pieza conceptual que consiste en un acre de tierra donde antes estaba una plantación que fue entregada y luego retirada a personas anteriormente esclavizadas en el contexto de la Orden Especial de Campo núm. 15 del General William Tecumseh Sherman, conocida comúnmente como la política de los cuarenta acres y una mula. Como parte de la obra, el terreno está restringido para que no pueda urbanizarse, lo que reduce su valor a cero dólares, un comentario sobre el concepto de que el valor de la tierra radica en su uso. Además, a diferencia de la mayoría de las obras de arte de la tierra a gran escala, Depreciation no puede ser visitada.
Este octubre, Dia Beacon inauguró una exposición de Rowland titulada Properties [Propiedades], que se basa en las ideas de Depreciation y, al mismo tiempo, obliga a la institución a tener en cuenta la historia de su propiedad. La muestra consta de seis componentes, el primero de los cuales es un acre de tierra sin marcar en Beacon. Al igual que Depreciation, Plot [Parcela] no está pensada para ser visitada y exige que Dia, y cualquier futuro propietario, no “perturbe ni desarrolle” la propiedad. En la sección del folleto de la exposición dedicada a esta obra, Rowland explica que durante algún tiempo estaba prohibido enterrar en los cementerios a las personas negras, tanto libres como esclavizadas y tanto en el Norte como en el Sur. Por ello, era frecuente que fueran enterradas en tumbas sin marcar, algunas de las cuales eran fosas comunes.
A continuación, Rowland explica que el terreno sobre el que se asienta Dia Beacon le pertenecía a “propietarios y comerciantes de esclavos desde 1683 hasta la abolición de la esclavitud en Nueva York en 1827”. Basándose en esta historia, el artista supone que el terreno alberga tumbas sin nombre de personas negras. Esta idea es el impulso detrás de Plot, una pieza conceptual que reconoce y hace un esfuerzo por dar cuenta de la presencia de entierros de personas negras en la propiedad de Dia y, de manera más amplia, lleva a los espectadores a reconsiderar “la supuesta ausencia de enterramientos de personas negras en los lugares donde hubo esclavitud”. La mayoría de las obras que componen Properties se encuentran en una galería del Dia Beacon. Aunque el espacio es un tema común en toda la curaduría que se hace en la institución —con 27 870 metros cuadrados, el edificio puede albergar fácilmente obras de gran tamaño y ofrecer a cada una un amplio espacio a su alrededor—, la sala de Rowland da la inquietante sensación de estar vacía. En la pared del fondo, Plot está representada por papeles enmarcados que dan detalles de la servidumbre. A la derecha, Increase [Aumento], un sencillo marco de cama de metal desgastado habla de la historia de la ley esclavista partus sequitur ventrem, una frase latina que se traduce como “lo que nace sigue al vientre”, indicando que los niños nacidos de madres esclavizadas pasaban a ser propiedad del esclavista. Al otro lado de la galería, cinco guadañas están apoyadas contra una pared. Commissary [Comisario], aborda el tema de la aparcería, que a menudo es tergiversada para negar su realidad como servidumbre por deudas, una continuación legal de la esclavitud. Underproduction [Producción insuficiente], la última pieza de la galería, es una gran olla de metal volteada cerca de la entrada, una referencia a las reuniones o encuentros secretos que realizaban las personas esclavizadas.
Cameron Rowland, “Underproduction” [Producción insuficiente], 2024, olla volteada, 45.7 x 53 x 40 cm
A lo largo del escrito, se recuerda al lector que no sólo la tierra se valora por su capacidad de ser usada, sino que las personas esclavizadas eran tratadas como propiedad. Rowland escribe: “Las personas esclavizadas eran componentes de la tierra. La tierra era una prisión”. La decisión del artista de convertir tanto Depreciation como Plot en pedazos de tierra que no se pueden utilizar tiene eco en la elección de Rowland de dejar tanto espacio vacío en la galería, deconstruyendo nuestra idea de valor y uso y, en cierto sentido, deconstruyendo la prisión que es la tierra.